Se trata de una colección de 16 piezas emblemáticas en la trayectoria de la artista, algunas de ellas adecuadas al contexto local, tal es el caso de la pieza “Imagina la paz”, una serie de mapas en los que el público podrá plasmar unos sellos donde le interese llevar ese mensaje.

Linda Atach, coordinadora de exposiciones temporales del recinto de Avenida Juárez, en el Centro Histórico, destacó el beneplácito de la artista, quien aseguró haber encontrado en el trabajo del curador Gunnar B. Kvaran y del propio Museo Memoria y Tolerancia, uno de los montajes de mayor calidad que ha tenido su obra.

Ese resultado, dijo Atach, tiene que ver con el trabajo conjunto que se realizó con el curador y con la propia artista que este mes cumplirá 83 años, quien se encargó de supervisar y aprobar cada paso del montaje.

Para esta labor decidieron se incluyera obra más activa que contemplativa, empatándola con el propio discurso del museo, de respeto a los derechos humanos, contra la discriminación y en pro de la tolerancia.

La muestra en sala arranca con “Memorias horizontales”, una colección de fotografías con personas mexicanas de principios del siglo 20, colocadas en la entrada de la exhibición, y que reflexiona sobre lo mucho o poco que le importa a la gente pasar por encima de los demás.

Otra pieza emblemática es “Pintura del techo” o el “Sí pintura”, cuyo objetivo es que el visitante miré con trabajo la palabra escrita en una placa que dice “yes”, pero cuya trascendencia también está en que es la pieza por la cual el cantante y compositor británico John Lennon (1940-1980) se interesó en conocer a la creadora y fue allí donde empezó su relación.

“Instrucciones”, que da un giro en el arte para volverse un performance personal, y cuyos mensajes han sido traducidos al español con su autorización; “Cut piece”, una proyección que reflexiona sobre qué tanto somos capaces de oponernos a una agresión e incluso qué tanto permitimos que ésta ocurra.

En esta sala dedicada a mostrar las huellas de la violencia también se aprecian “Cascos”, “Tres montículos” y “La guerra terminó”, piezas que hablan de destrucción y, al mismo tiempo, de esperanza, como ocurre en casi todo el discurso artístico de la creadora.

Especial atención merece “Gente invisible”, un homenaje a las personas que murió en Hiroshima y Nagasaki, y en la que un juego de flashes en un espacio oscuro imprimen la silueta del visitante en una especie de mural que da cuenta de la difuminación de la vida.

“Pieza en reparación”, “Teléfono de asombro”, “Imagina la paz”, “Performance bolsa de tela” y “Resurgiendo” son otras de las obras con las que el público podrá interactuar y tener una experiencia personal, guiada por una serie de moderadores dispuestos por el museo.

“Teléfono de asombro” es un laberinto de cristal en cuyo centro hay un teléfono, cuyo número sólo puede ser marcado por Yoko Ono, quien estará llamando a lo largo del periodo de exhibición.

La pieza, cuenta Atach, reflexiona sobre cómo a veces tomamos rumbos que a pesar de predecibles son equivocados, y cuesta trabajo salir de ello.

Llama la atención “Resurgiendo”, una instalación donde se han colocado las fotos (sólo de los ojos) con un breve relato de mujeres que se han interesado en compartir experiencias en su calidad de mujeres.

La convocatoria a participar, enviando una declaración del daño que se les ha hecho por el solo hecho de ser mujeres, se mantiene abierta y el mural irá cambiando según la cantidad de participantes.

Posteriormente, se tiene previsto que esta instalación quede plasmada en un libro sobre la obra de arte y se publiquen algunos de los testimonios y fotos. Cabe decir que se espera que “Arising” siga creciendo y se exhiba en otros países”.

La pieza, cuenta Atach, reflexiona sobre cómo a veces tomamos rumbos que a pesar de predecibles son equivocados, y cuesta trabajo salir de ello.

Llama la atención “Resurgiendo”, una instalación donde se han colocado las fotos (sólo de los ojos) con un breve relato de mujeres que se han interesado en compartir experiencias en su calidad de mujeres.

La convocatoria a participar, enviando una declaración del daño que se les ha hecho por el solo hecho de ser mujeres, se mantiene abierta y el mural irá cambiando según la cantidad de participantes.

Posteriormente, se tiene previsto que esta instalación quede plasmada en un libro sobre la obra de arte y se publiquen algunos de los testimonios y fotos. Cabe decir que se espera que “Arising” siga creciendo y se exhiba en otros países”.

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De acuerdo con la convocatoria publicada por el Museo de Memoria y Tolerancia en una red social, la viuda del cantante inglés John Lennon y ex integrante del grupo Fluxus, pide escribir un testimonio en el idioma que hablan y se haga de manera franca.

De acuerdo con la convocatoria, el testimonio se puede firmar con un nombre de pila, se pide no dar nombre completo, además se solicita el envió de una imagen en la que se aprecien únicamente los ojos.

El material recopilado se exhibirán en la instalación de Arising como parte de la exposición “Yoko Ono Tierra de Esperanza” que se abrirá a partir del 2 de febrero y hasta el 29 de mayo en el Museo Memoria y Tolerancia, de la capital mexicana y luego viajará a otros países.

Asimismo, se informó que se publicará un libro con una selección de testimonios e imagenes reunidas.

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Y este singular rebozo, tejido por  Fidencio Segura (ya fallecido) se utiliza durante el luto y es de color negro. Es un ejemplo de las más de 200 piezas que se exhibirán y, como señala Héctor Rivero, “son una mirada a esta tradición textil mexicana mediante rebozos realizados desde el siglo XVIII hasta los creados en la actualidad”.

La muestra se exhibió en junio de 2014 en el Fashion and Textile Museum de Londres y llega al país como parte del Año Dual México-Reino Unido. Está conformada por 160 piezas de artesanos de estados como Querétaro, Estado de México, Oaxaca, Michoacán, entre otros, 14 rebozos de los siglos XVIII y XIX, pertenecientes a la colección Robert Everts, 19 del acervo de Ruth Lechuga, una serie de fotografías que muestra el uso cotidiano de la prenda, y se complementa con 60 rebozos creados por estudiantes universitarios  mexicanos y de Gran Bretaña.

Respecto a los cuatro rebozos intervenidos por los artistas, éstos serán subastados el 31 de julio con un precio de salida de 3 mil dólares y las ganancias serán destinadas a organizaciones civiles de Oaxaca y Chiapas.

Celia Joicey, directora del  Fashion and Textile Museum, destaca que cuando se presentó la exposición en Londres, el recinto mostró lo importante que son este tipo de prendas para el público inglés, “pero sobre todo fue dar conocer la importancia de los textiles en la historia de México”.

Por su parte, Hilary Simon, curadora de la muestra, explicó que esta exhibición no sólo resalta la belleza de cada una de los rebozos, sean antiguos o contemporáneos, sino la importancia y fascinación que tienen entre la población mexicana y que forman parte de la esencia de una identidad nacional.

Lo anterior, se puede observar  fotografías de Pedro Valtierra, en las cuales mujeres de diversas etnias usan el rebozo para cargar a sus hijos, como prenda de vestir o adorno, además de los novedosos diseños que se hicieron con acercamiento a la moda, y las intervenciones de creadores que las elevaron a piezas de arte. Es la fascinación de ver una tradición de varios siglos, sus colores, formas y, sobre todo, lo que dicen sus estampados, señala Héctor Rivero Borrell, director del Museo Franz Mayer.

Al respecto, la antropóloga Marta Turok dijo que “esta muestra hace un reconocimiento a los artesanos y busca preservar esta tradición que se está perdiendo en algunos estados del país, algo que no debe suceder”.

Como parte de esta exposición, añadió la especialista, se realizará el ciclo de conferencias “El Arte del jaspe y rebozo: Segundo encuentro nacional”, del 29 de julio al 2 de agosto, en el cual se presentarán los resultados de las investigaciones académicas, habrá charlas con los reboceros, talleres y una expo-venta.

La muestra permanecerá hasta el 30 de agosto. Horarios de visita: de martes a viernes de 10:00 a 17:00 horas. Sábados y domingos de 10:00 a 19:00 horas. 45 pesos entrada general.  Ubicación del museo: Av. Hidalgo 45, Centro Histórico.

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Yoko Ono no sólo fue la controversial esposa de John Lennon, sino una artista con méritos propios ampliamente reconocida en el mundo del arte, pero cuya obra visual es poco conocida por un público más amplio, cómo en México, donde su arte se ha expuesto muy poco.

El momento de su mayor difusión local sucedió en 1997 en el Museo Tamayo, donde se montó Exit, monumental instalación consistente en cien ataúdes de cuyo interior surgían árboles. Una colectiva en el mismo año fue Diálogos Insólitos, muestra efectuada en el Museo de Arte Moderno, donde la artista propuso que los visitantes podían escribir en papel un deseo íntimo o aportar un objeto personal y fijarlos con martillo y clavos a un mueble repleto de ellos.

La más reciente exposición en nuestro país que incluye obra de Yoko Ono es “The Lulennial: Un Gestuario Sutil”, en el espacio independiente Lulu, muestra curada por Fabiola Iza y Chris Sharp, que reúne arte hecho con gran economía material y modestia de medios por casi una treintena de artistas nacionales y extranjeros y cuyo lema es: “pequeños gestos, gran impacto”. Entre los jóvenes artistas convocados se encuentran Chantal Peñalosa, Fernanda Gomes y Martín Soto Climent, y entre los de mediana carrera está Gabriel Orozco, Francis Alÿs, Karin Sander o Marie Cool & Fabio Balducci, entre los históricos está Robert Barry, Ji’í Kovanda y la propia Yoko Ono, artista de gran pertinencia para revelarnos el sentido de esta exposición.

Yoko Ono ha escrito muchas breves instrucciones que indican la ejecución de obras y acciones. Fabiola comenta al respecto: “Era importante tener sus Instruction Paintings, 1961-62, ya que el gesto se vuelve más radical si se circunscribe al género de la pintura. Ono originalmente exhibió las instrucciones junto a lienzos en los que cada instrucción se había llevado a cabo, pero posteriormente decidió prescindir de los lienzos y exhibir solamente las instrucciones, quería que la obra no existiera más que como un texto”.

Estas instrucciones publicadas en el libro Grapefruit de 1964 implicaban desde perforar el lienzo para ver el cielo hasta pegar diversas fotografías u objetos de múltiples personas con el nombre en común de “Mary” o quemar con un cigarro la imagen de una pintura hasta desaparecerla, tempranas acciones creadas a principios de los sesentas con las cuales artistas como Ono, Yves Klein, Piero Manzoni, entre otros, iniciaron la enorme diversidad material y multidisciplinaria del arte contemporáneo actual.

Sobre esta influencia fundacional, Iza señala, “Me parece muy importante que la obra no se sienta como una pieza histórica, es decir, continua siendo muy actual y creo que es debido a la fuerte influencia que sigue teniendo en artistas de generaciones más recientes el espíritu de Fluxus – agrupación a la cual Ono estuvo asociada en una etapa temprana de su carrera -. De esta forma crea un diálogo intergeneracional y vuelve a poner sobre la mesa temas como la inmaterialidad de la obra. Al estar en la tercera parte de la exposición junto a artistas como Robert Barry, se enfatiza la concepción de la obra como algo que puede existir solamente en la mente tanto del artista como de los visitantes a la exposición”.

Esta exhibición está completada por un programa de performance curado por Sophie Goltz, un archivo en línea con obra de artistas históricos y un catálogo de 144 páginas con ensayos e imágenes publicado y distribuido por la editorial italiana Mousse. Debido al diminuto espacio de exposición de Lulu – nueve metros cuadrados – esta exposición se ha dividido desde su inauguración el 7 de febrero en tres partes, la última se inaugura este sábado 18 de abril de 12:00 a 18:00 horas en Lulu, Bajío 231 esquina con Manzanillo, Colonia Roma.

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